En mi paso por Berlín tuve la suerte de ver algunas acciones y declamaciones poéticas. Entre ellas apunto “FASE” festival anual hispano-alemán, dedicado al arte sonoro, que se desarrolla en Berlín desde el año 2010, en estrecha colaboración con el Instituto Cervantes de la capital alemana. La acción que pude ver/oír y de la que quedé prendado fue protagonizada por Ernesto Estrella (poeta, educador, músico y compositor nacido en Granada) y Miako Klein (música, intérprete e improvisadora con un trasfondo musical de lo más variado). Y por supuesto el ojo que tiene Raquel Rivera por la gran selección de autor@s que han participado en esta edición.
Con Ernesto coincidí en Nueva York en 2011 realizando un proyecto conjunto sobre poesía. Allí fue donde descubrí su vertiente más experimental, su voz y su forma de declamar me impresionaron. A Miako la conocí este enero en Berlín, en una Jam de improvisación de “ruidismo” como dicen algunos. A mí personalmente me gusta más la expresión de poesía experimental, dentro del concepto de la poesía llevada al sonido de los extremos, donde se combina lo onírico/conceptual.
Ermesto y Miako /Miako y Ernesto realizaron cuatro piezas consecutivas.
Actuación de Ernesto estrella y Miako Klein en FASE 2014. Fotografía de Carlos Ortiz
La facilidad para los idiomas de Ernesto, su voz, manipulada por largos ejercicios vocales, junto al sonido ejecutado por Miako hicieron de la primera pieza “Safo: “He’s equal with the Gods, that man” (voice, recorder)” una composición sonora suave. Fue un dialogo susurrado al oído, la flauta acompañaba a la voz, llegando por momentos a la estridencia y descendiendo al ritmo de una nana de la niñez. En las demás piezas, la conjunción de dos culturas daba lugar a una mezcla desconcertante. Las raíces japonesas de Miako se dejaban sentir, entre el aire provocado por diferentes instrumentos de viento (Basset recorder, Paetzold contrabass recorder, Ganassi g-Alto) Un control impresionante hacía percibir el sonido de la brisa en un plano superior, al mismo tiempo que las notas salían como de la nada. Ernesto acompañaba por momentos, pasaba a dirigir en otros, se respondían en un dialogo que transportaba a espacios mentales antes difíciles de percibir.
La voz de Ernesto en susurros, en verso, entrecortada, incluyendo gran variedad de registros, el cante hondo de la España más profunda, donde revolvía la voz con fuerza.
Los ritmos de Miako, las rasgaduras, las notas suspendías en el aire. La estridencia de la voz de Ernesto y las cuerdas y notas acariciadas de Miako formaron un hermoso, desconcertante y maravilloso espectáculo sonoro.
Las sensaciones son difíciles de plasmar en papel, por lo que os dejo la pista de audio. Aunque la calidad del sonido no sea óptima, si es capaz de transportarnos a esos lugares a los que difícilmente podremos llegar sin oír estas obras.
https://fasefest.org/wp-content/uploads/2020/09/logo-fase.jpg00mantrahttps://fasefest.org/wp-content/uploads/2020/09/logo-fase.jpgmantra2014-06-26 09:41:442020-01-13 10:22:00FASE festival anual hispano-alemán
Valencia de prepara estos días para ser el escenario de una nueva iniciativa en materia de arte sonoro y música experimental: el Festival PINPANPUN. Se trata de un proyecto autogestionado llevado a cabo por el artista sonoro y musical Martí Guillem Ciscar, con ayuda de Sinberifora a.c. y L’Octubre Centre de Cultura Contemporania. Como muy bien exponen en el texto de presentación del festival, esta propuesta nace en un contexto de reflexión profunda sobre las circunstancias que rodean el actual panorama creativo en nuestro país, el deseo de dar salida al potencial de nuestros artistas y la comprobación de que el trabajo duro y constante tiene, al final, su recompensa. PINPANPUN es, en definitiva, una apuesta firme por el trabajo constante de artistas que se resisten a abandonar su labor de investigación y creación, o de tener que hacerlo saliendo se nuestras fronteras, lo que se traduce en una búsqueda colectiva y colaborativa de espacios de exhibición, centros de trabajo común, infraestructuras de divulgación y ruptura de los estratos jerárquicos para establecer relaciones horizontales. Este es el caldo de cultivo de este festival, y el resultado está francamente a la altura de las expectativas.
Siberifora a.c. es una asociación cultural formada por jóvenes artistas que nace en 2006 con el objetivo principal de dar salida a sus creaciones a través de un concepto de autogestión ideológica del arte. Se define como un espacio de investigación teórico-práctica en el que todos sus integrantes contribuyen aportando diversidad artística y nuevas ideas de gestión cultural y artística. Sus fundadores son Marina Palomo, Ángela García, Martí Guillem, Mathieu Bohet, Soraya Valiente, Ginés López y María González.
No obstante, la idea principal del Festival se debe a la iniciativa de Martí Guillem, quien ha luchado por sacar adelante esta tercera edición después de un pequeño parón en 2013.
L’Octubre CCC es un centro de impulso a la cultura y sociedad valencianas apoyado por la Acció Cultural del País Valencià (ACPV) y la Institució Cívica i de Pensament Joan Fuster (IJF), fundado en 2006. Su ubicación en el emblemático edificio histórico conocido como “El Siglo”, le permite potenciar su vocación genuina de movilizar las actividades culturales de la zona y reavivar el uso de espacios históricos como este para fines sociales y culturales.
El espacio de L’Octubre CCC acogerá del 9 al 11 de julio de 2014 este festival, que aborda este año su tercera edición. La programación es la siguiente:
Miércoles 9 de julio a las 19.30h
–Crocanti (lofi, noise, diy)
–Dario Fariello + Josep Lluís Galiana (impro duo sax)
–Truna (cello and electrónica)
Jueves 10 de julio a las 19.30h
–Bartolomé Ferrando (intro fonetica)
–Dario Fariello (solo acoustic sax and viola)
–Avelino Saavedra (solo drums and electronics)
Viernes 11 de julio a las 19.30h
–Santiago López (sound objects performance)
–Antonio Jesús Sánchez (live electronics)
–Marredo & Montag (live electronics)
Más información:
Todas las sesiones se desarrollan en el salón de actos del espacio L’Octubre CCC
C/ Sant Ferran, 12 – 46001 València.
Tel. (0034) 96 315 77 99 PINPANPUN L’Octubre CCC Siberifora a.c.
Los Teatros del Canal se abren este sábado 21 y el domingo 22 a una experiencia sensorial extraordinaria. 16 horas de una instalación sonora, ideada por Georg Nussbaumer (Austria, 1963), totalmente libre, novedosa y rompedora que pretende en realidad hacer una revisión de la obra de Wagner. Esta propuesta es una clara muestra de que el arte sonoro contemporáneo no tiene límites y de que el público ha de estar abierto a romper los esquemas tradicionales de comunicación de las creaciones artísticas. Ya no se trata de ser un mero observador. Se trata de estar dispuesto a una inmersión total, física y tangible, en el sonido y la composición contemporáneos.
El proyecto se basa en el ciclo “El anillo del Nibelungo”, la extensísima obra de Wagner en cuya elaboración invirtió más de 26 años. El ciclo es un grupo de cuatro piezas épicas basadas en personajes de la mitología germana y del antiguo “Cantar de los Nibelungos” de origen medieval: las óperas son “El oro del Rin”, “La valquiria”, “Sigfrido” y “El ocaso de los dioses”, obras muy conocidas del compositor que por fin terminó en 1874.
Meterse con Wagner no es un asunto menor. El respeto que merece este compositor alemán, sumado a la calidad y complejidad de estas cuatro óperas tratadas supone un fascinante reto para Nussbaumer, del que sale, sin lugar a dudas, más que airoso. Las referencias mitológicas se hacen reconocibles y la música de Wagner omnipresente en la instalación, y ello a pesar de que no hay voces, ni texto, ni libreto, ni se respeta la teatralidad propia del género operístico. La propuesta se convierte en una estructura sonora quasitangible que envuelve al espectador y le invita a compartir con los músicos esta intensa experiencia sensorial y audible.
La representación está a cargo de 10 músicos de Solistensemble Kaleidoskop. Su intervención no se limita a ser una pulcra interpretación musical, sino que transciende los límites que las partituras imponen para ofrecer una nueva visión, versátil y alternativa, de una ópera reinterpretada desde la óptica contemporánea.
La entrada es gratuita.
Más información:
Sábado 21, de 13 a 24 h. Viaje a través de: El oro del Rin, La Valkiria, Sigfrido.
Domingo 22, de 17 a 21.30h. Viaje a través de: El ocaso de los dioses Teatros del Canal Solistensemble Kaleidoskop
https://fasefest.org/wp-content/uploads/2020/01/ensemble-705x435-1.jpg435705mantrahttps://fasefest.org/wp-content/uploads/2020/09/logo-fase.jpgmantra2014-06-18 09:47:182020-01-13 10:20:34Wagner desde una nueva perspectiva sonora
Clausura de FASE 2014
La intensidad de estos tres días nos deja en estos momentos una extraña sensación en el cuerpo de calidez y abandono, y la añoranza de volver a vivir una experiencia semejante tan pronto como sea posible. FASE 2014 ha superado con creces las expectativas, por la calidad de los participantes y la riqueza de sus propuestas. Hemos disfrutado de las creaciones de 21 artistas internacionales, punteros en el sector, que nos han llevado a replantearnos el concepto de arte sonoro y a ahondar en los matices, dobleces y alcance de la versatilidad misma del sonido y de nuestra capacidad de escucha.
Muy pronto podremos contar con sus propios testimonios, para contagiarnos el espíritu de creación y la curiosidad que día a día va en aumento en este campo de investigación, además de hacernos partícipes de sus procesos internos de creación y las vivencias que, como artistas sonoros en activo, podrán transmitirnos mejor que nadie.
FASE ha sido un éxito en cuanto a presencia de público, en su mayor parte especializado en el sector o preveniente de campos de actividad e investigación directa o indirectamente vinculados con el arte sonoro, pero también ha despertado la curiosidad de muchas otras personas que han querido acercarse a conocer esta disciplina artística que cuenta cada día con más adeptos.
Desde aquí queremos agradecer su apoyo incondicional al Instituto Cervantes de Berlín, sede en donde tuvieron lugar las actuaciones y debates de FASE, un lugar emblemático para poder reflexionar sobre los temas.
Por último, y antes de seguir compartiendo con vosotros novedades, os adelantamos que FASE no se despide hasta el año que viene, pues tenemos una cita muy pronto. El proyecto de investigación “sounding the city: enfoques críticos sobre los paisajes sonoros urbanos” nacido en el seno del festival, no ha hecho más de empezar. Tenemos otras sesiones del proyecto dentro de otros festivales de acogida: Re(S)on-Art, en Estocolmo, del 9 al 12 de septiembre, y XX Jornadas de Informática y Electrónica Musical, de la UAM, en Madrid, del 2 al 5 de diciembre. Os mantendremos a todos informados de las convocatorias y las noticias al respecto. ¡Estad atentos!
¡Gracias a todos!
https://fasefest.org/wp-content/uploads/2020/01/Ernesto.jpg640960mantrahttps://fasefest.org/wp-content/uploads/2020/09/logo-fase.jpgmantra2014-06-17 09:50:462020-01-13 10:19:29Clausura con buen sabor de boca
Como sabéis, mañana se estrena en Berlín la primera de las etapas del proyecto “sounding the city: enfoques críticos sobre los paisajes sonoros urbanos”. Esta iniciativa está abierta a la participación de artistas sonoros de todo el mundo para que intervengan en estas sesiones de creación e investigación en arte sonoro bajo la tutela de un equipo de investigadores en el sector que guiarán el desarrollo de la actividad. Este año contamos con la participación de Alex Arteaga, Ricardo Atienza, Ernesto Estrella, José Luis Carles, Elen Flügge, Martí Guillem Ciscar, José Iges, Concha Jerez, Miako Klein, Cristina Palmese, Monica Sand y Heinz Weber.
Teniendo en cuenta que el proyecto se centra en el estudio e investigación sobre del paisaje sonoro urbano hemos visto oportuno revisar el concepto de paisaje sonoro, un término con una historia relativamente reciente y de contornos cambiantes y variables.
El término “soundscape” se empleó por primera vez por el canadiense Raymond Murray para referirse a la multitud de sonidos presentes en nuestra cotidianidad, espacios y ambientes en los que nos movemos, y que están a medio a medio camino entre el sonido y el ruido. Murray era músico, compositor y ambientalista y comenzó un proyecto de investigación en colaboración con arquitectos, diseñadores, ingenieros y compositores contemporáneos con el fin de generar y crear sonidos para los múltiples objetos que llenan nuestra vida diaria. De esta pretensión original fue surgiendo un campo de estudio considerado superfluo hasta el momento que se centraba en el análisis de la propia capacidad y percepción auditiva. Así nació “La escuela de la audición”, y se empezaron a perfilar los elementos propios del paisaje sonoro entre tonalidad, señales sonoras y marcas sonoras. Todas estas ideas contribuían a definir las concepciones de Murray sobre el paisaje sonoro y la ecología acústica, porque a él le preocupaba especialmente la estructura de los sonidos percibidos y la potencialidad del individua de ejercitar un escucha o audición limpia (clairaudience).
Posteriormente el concepto de paisaje sonoro ha ido sufriendo modificaciones y hoy parece identificarse con composiciones visuales acompañadas de sonido o con la percepción de los sonidos propios de un determinado paraje natural.
No obstante, “sounging the city” vuelve a los orígenes del término, a la idea genuina que ahonda en la capacidad de audición, el análisis del entorno acústico y la propia versatilidad del sonido, y lo hace ubicando su propuesta de investigación de esta edición en el paisaje urbano. El entorno urbano puede inspirar muchas ramas de creación en las que el sonido puede convertirse en su eje motor, especialmente en el sector de la arquitectura o el diseño. Estas sesiones de trabajo pretenden poner sobre la mesa las últimas novedades en este ámbito de investigación y servir de foro de intercambio y construcción de iniciativas con proyección de futuro.
Estaremos atentos a los resultados compartidos por los artistas participantes y a su paso por las restantes sedes del proyecto en Estocolmo (9-12 de septiembre) y Madrid (2-5 de diciembre).
Puedes consultar las propuestas de los artistas seleccionados y sus perfiles aquí
https://fasefest.org/wp-content/uploads/2020/01/shadow-light-shine-waves-lines-background-wallpaper-image-705x435-1.jpg435705mantrahttps://fasefest.org/wp-content/uploads/2020/09/logo-fase.jpgmantra2014-06-10 09:16:152020-01-13 10:26:25Paisaje sonoro: una revisión del concepto
El próximo 14 de junio FESTILAB II ofrece una jornada de puertas abiertas repleta de actividades para todos los públicos. Festilab es una de las iniciativas propuestas por Medialab-Prado, dedicado por completo a la elaboración y difusión de contenidos cultuales digitales desde hace una década, en donde dar a conocer parte de su labor. El proyecto apuesta por incentivar la innovación y la experimentación, y por generar contenidos de carácter social y aprovechamiento ciudadano.
Esta es la segunda jornada de puertas abiertas que comparte Festilab, después de la del 29 de marzo de este mismo año, y la oferta de actividades se ha superado en diversidad y alcance de público. Es una excelente oportunidad de acercarse a conocer una pequeña porción de los muchos proyectos que se gestan y desarrollan en Medialab-Prado, como los prototipos elaborados dentro de ‘Colmenas humanas’, un taller de producción colaborativa de colmenas urbanas, que nos acompañará durante toda la jornada, o el taller infantil de iniciación al modelado e impresión 3D. La oferta es muy variada, desde el laboratorio gastronómico con las iniciativas Menúdavida (organic food culture) y Comerselacalle, el showroom de proyectos, las charlas-taller en que se enseñará a funcionar con plataformas digitales de aplicación educativa, o los videojuegos gigantes de su fachada.
De entre la amplia oferta queremos destacar las actuaciones de Ain TheMachine y de Carlos Suero junto con Elena Juárez (Gameover), a las 19:15 y a las 20:45 respectivamente, en el auditorio de Medialab-Prado.
Ain TheMachine Live español
Ain TheMachine es un proyecto impulsado por Diego Ain, que cree firmemente en la música como un derecho universal, y apuesta por la creación de sonidos sin la intervención de instrumentos musicales. Hablamos de música electrónica hecha exclusivamente con la voz, el cuerpo y objetos cotidianos. Sus trabajos son una experiencia casi sensorial y orgánica, que fusionan sonido e imagen a través de la tecnología. El resultado es un nuevo género musical: la música biotrónica.
Arenavirus, de Suero, remix Erissoma, y Elena Juárez
Carlos Suero es un artista sonoro que trabaja un doble perfil. Como Suero, es un músico especializado en electrónica experimental, en una vertiente más ‘clásica’, como Godafoss está más centrado en drone y la experimentación industrial. En su intervención en esta jornada de Festilab, Carlos hace su aparición como Suero y estará acompañado de la creadora visual Elena Juárez (Gameover), artista que tienen ya amplia experiencia tanto en directos y performances como en instalaciones, y que ya ha colaborado con Suero en anteriores ocasiones.
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El Convent de Sant Agustí es un centro cívico que nace con la voluntad de dinamizar la vida social y cultural de los barrios de Sant Pere, Santa Caterina y la Ribera (Barcelona) en colaboración con otras entidades del barrio. Desde su creación, ha abordado propuestas de contenido muy diverso con la clara intención de enriquecer la oferta de actividades para los vecinos y ampliar los horizontes de su contacto y conocimiento de la cultura y la sociedad, en un afán por lograr un mejor tejido social como plataforma de apoyo vecinal, fomentar la creación de redes entre individuos y nutrir la avidez de conocimiento y diversidad cultural que, quizás de otro modo, se verían un poco menos amparados.
En centro de sitúa en un edificio emblemático, en propio Convent de Sant Agustí, cuyos espacios permiten la gestación de proyectos de gran riqueza creativa y hondo calado social en un marco arquitectónico excepcional. En un contexto de permanente actualización y programación frenética se ofrecen talleres formativos, actividades para niños y jóvenes, exposiciones, plataformas de ayuda a la creación, etc.
Y es en esta mágica amalgama de actividades, proyectos y talleres donde tenemos una cita ineludible con el arte sonoro y la creación visual. La IX Mostra Sonora i Visual, que después de 15 años sigue fiel a su convocatoria bianual, es una oportunidad única de acercarse a conocer esta disciplina creativa y ahondar en la íntima conexión que encierra con el lenguaje audiovisual. Hoy, 6 de junio, aborda su 4ª y penúltima jornada de programación, así que aún estáis a tiempo de disfrutar de los conciertos en directo, las instalaciones y los talleres incluidos en la oferta de este año.
Vídeo de presentación de la IX Mostra Sonora i Visual
Nosotros hemos tenido la suerte de poder entrevistar al equipo que hacen posible la Mostra y conocer de primera mano cómo es el proceso de gestión, diseño y puesta en escena de un proyecto como éste. Hablamos con Romina, del equipo de producción de Convent de Sant Agustí, Silvia, responsable del comisariado de los conciertos en directo y las acciones sonoras de la Mostra, y Oscar, que ha llevado las instalaciones y los interactivos así como la relación con los audiovisuales que se expondrán en la Bienal de Artes Mediales de Chile. Desde FASE queremos agradecerles el tiempo y la atención dedicados a esta entrevista, realizada en pleno desarrollo de la Mostra.
ENTREVISTA AL EQUIPO DE LA ix MOSTRA SONORA I VISUAL
1. La apuesta por el arte sonoro es complicada y arriesgada. Si el sector cultural es especialmente sensible a las fluctuaciones del contexto económico, las iniciativas en esta disciplina artística son, quizás, aún más vulnerables. ¿Qué especiales dificultades habéis encontrado para llevar a cabo la Mostra en su IX edición?
Hay muchos proyectos culturales condicionados por las fluctuaciones económicas, cuando la creación, tanto como la cultura de base, lo que necesitan son espacios adecuados para expresarse. Concretamente, la creación experimental sonora puede llegar a aplicarse a ámbitos sociales o educativos y para ello se necesitan espacios donde desarrollar estas líneas de experimentación.
2. Vosotros habéis sido prácticamente pioneros en el lanzamiento de un proyecto que trata de aunar arte sonoro y música experimental con creación visual. ¿Cuál es la evolución que habéis percibido en el sector (receptividad por parte del público / surgimiento de nuevos artistas / aparición de nuevos proyectos) en estos años?
En tanto el Convent de Sant Agustí es un centro de proximidad y trabaja de manera diaria las herramientas formativas en el ámbito audiovisual, así como en la exhibición, la evolución de estas disciplinas se han vivido de manera natural. Al estar siempre en contacto con artistas y colectivos del sector, la figura del “Pionero” se desdibuja. Nosotros ya programamos a lo largo del año propuestas emergentes e innovadoras cuyos procesos de maduración en muchos casos llegan hasta plataformas más profesionales. El sector tiene una salud excelente, nuestra convocatoria se llena de propuestas a los pocos días. Hay mucho más conocimiento por parte del público sobre lo que ocurre en el sector. También hemos notado que mucha de la tarea formativa que realizamos en nuestros talleres se refleja posteriormente en propuestas que nos hacen llegar artistas que se han formado con nosotros.
Los sonidos de las piedras: Yoliztli Villanueva Marañón en colaboración con Hugo Corbí
3. ¿Cómo ha evolucionado la idea de la Mostra en este tiempo? ¿Habéis sido fieles a la idea original en estos años o ha habido cambios de planteamiento para adaptarse a nuevas circunstancias?
La programación de la Mostra es fruto de una convocatoria abierta, la misma se ha ido adpando, contemplando necesidades surgidas del mismo colectivo (como es el caso del espacio de trabajo colaborativo que se ofrece en los proyectos interactivos, desde la última edición). No obstante estos pequeños ajustes, el trabajar con convocatoria hace que cada muestra tenga un contenido muy diverso, dependiendo de las propuestas recibidas. Estas propuestas suelen ser fieles a lo que ocurre puertas adentro de estudios, talleres y laboratorios.
4. El arte sonoro parece tener un buen terreno de cultivo en Latinoamérica, hay muchos festivales, artistas y centros de trabajo que tienen ya una consolidada trayectoria. ¿Cómo ha surgido la idea de colaborar con BAM y Tsonami?
En el último año hemos llevado a cabo un intercambio de profesionales de la gestión cultural entre Chile (Balmaceda Arte Joven) y Convent de Sant Agustí. Al acercarnos al contenido que se estaba generando en Chile, nace la idea de compartir este contenido creado a una y otra parte del océano.
Históricamente la Mostra Sonora i Visual es el contexto ideal para compartir o generar puentes entre proyectos, como es el caso del MEG (Montreal Electronic Groove), entre otros.
5. ¿Qué perspectivas tenéis para esta IX edición? (me refiero a público, asistentes, participación, etc.). ¿Habéis incorporado alguna novedad especial con respecto a la anterior Mostra de 2012?
La Mostra es Bienal, se celebra cada dos años, tiempo suficiente para que se generen muchos cambios.
El objetivo continua siendo mantener este equilibrio entre ser un espacio cercano de exhibición y ofrecer una programación interesante. Es decir, por un lado mostrar qué pasa en el ámbito de la creación audiovisual desde un punto de vista de base y por otro poder ser ese espacio de exhibición para todos esos proyectos que se están gestando. Podemos decir que la creación en esta ciudad está muy viva ya que hemos recibido muchísimas más propuestas de las que se pueden asumir en los tres días que dura la Mostra.
Un detalle incorporado este año es el apartado de intercambio de experiencias. Lo hemos llamado así porque aunque es un espacio de formación muy específica personas interesadas en este ámbito también quiere ser un espacio de compartir desde procesos de creación hasta recursos para poder financiar un proyecto. Pensamos que ofrecer una formación específica en depende qué ámbitos puede ayudar a muchos colectivos artísticos, y además es gratuita.
Como novedad especial hemos apostado fuerte por la colaboración con los festivales de Chile para mostrar videoarte y arte sonoro de una forma diferente creando espacios en nuestro Centro para que la gente lo pueda disfrutar con calma.
Música aquàtica: Xavi Lloses
6. ¿Cuánto tiempo invertís en la preparación y programación de la Mostra?
El tipo de proyecto y el como se trabaja (integrado a la dinámica diaria) hacen que sea un proyecto que constantemente ocupa nuestras mesas de trabajo (información, contacto con entidades, colectivos, residencias, colaboradores, etc.). La producción estricta de la Mostra, desde su convocatoria, nos ocupa unos 6 meses de dedicación no exclusiva puesto que se integra en la dinámica diaria del centro.
7. ¿En qué medida las redes sociales y las nuevas tecnologías os ayudan a difundir el proyecto?
Claramente el tipo de proyecto tiene un escenario más adecuado en los medios audiovisuales, por tanto, las redes sociales son una herramienta ideal para potenciar la difusión del contenido. Nuestra trayectoria nos avala ya en los medios más tradicionales como periódicos y televisión, y la relación que se establece con ellos es más fluida.
https://fasefest.org/wp-content/uploads/2020/01/mostra-625x277-1.jpg277625mantrahttps://fasefest.org/wp-content/uploads/2020/09/logo-fase.jpgmantra2014-06-06 13:54:552020-01-03 13:58:31La labor de gestión: conoce los entresijos de la IX Mostra Sonora i Visual del Convent de Sant Agustí
Imagino que este término te remite de forma inmediata a una especie de fusión entre estas dos ramas musicales que sugiere que quizás estemos hablando de una nueva corriente de creación musical venida del extranjero. Pero no es así. Indyrock es una publicación digital española íntegramente dedicada a la música alternativa de todo el mundo.
La iniciativa de este proyecto editorial on-line surgió de Juan Enrique Gómez, periodista del grupo IDEAL, que en 1997 se propuso lanzar esta plataforma especializada. Desde entonces el éxito ha sido más que notable y hoy es uno de los medios de comunicación especializados en música más completo y de mayor alcance y visitas del país. En 1999 Indyrock se fusionó con el periódico IDEAL, del Grupo Vocento, y pasó a formar parte de los canales temáticos de difusión digital. Como periodista, Juan Enrique Gómez cuenta con una consolidada trayectoria reconocida a través de numerosos premios (como Premio de Periodismo José María Bugella, el Premio de Periodismo de Almuñécar o el Premio Andalucía de la Juventud o el Premio El Defensor de Granada de la Asociación de la Prensa), y aunque las exigencias de una publicación de esta naturaleza y alcance parezcan exigir una dedicación exclusiva, Juan Enrique se ha adentrado en la aventura de editar otro medio digital dedicado al medio ambiente: el magazine online Waste, además de haber escrito numerosas guías de naturaleza y otros muchos libros de temática diversa.
En esta apuesta por el magazine digital comparte empeño y pasión con Merche S. Calle, bióloga y periodista, que el directora editorial de Indyrock y Waste. Coautora denumerosas guías de naturaleza y obras de contenido medioambiental y científico, ha publicado diversos libros especializados en divulgación científica. Su labor ha sido reconocida con precios de gran relevancia (Premio Aguas de Mayo de Ecologistas en Acción (2007), Premio Comunicar a la divulgación educativa y científica, Premio Ecovidrio a la divulgación medioambiental, Premio Andalucía Joven (edición 2003), Premio Granada Joven (edición 2002)). Además, ha dirigido, con Juan Enrique, el programa televisivo EVASION-Indyrock entre 2003 y 2009.
Pero dada la cantidad de contenido que publica diariamente Indyrock, ¿cómo se actualiza? La publicación cuenta con la colaboración altruista de numerosos grupos profesionales de la comunicación interesados en la música. Además, el magazine pretende ser una base de datos actual e histórica en la que todos, grandes y pequeños del sector musical, tienen cabida. Podéis consultar su extenso histórico de archivos, o navegar por su tablón de anuncios o agenda de actividades. La cantidad de información en ingente y está permanentemente actualizada. Un trabajo que bien merece el reconocimiento obtenido a lo largo de este tiempo y el agradecimiento de quienes podemos aprovechar al máximo sus contenidos.
El próximo 3 de junio de 2014 se estrena la IX Mostra Sonora i Visual que tendrá lugar en el Convent de Sant Agustí (Barcelona). Se trata de un festival bianual en que se quiere enseñar lo último en materia de arte sonoro y creaciones visuales con una clara vocación internacional. En esta edición cuentan con la colaboración de BAM, Bienal de Artes Mediales de Chile, que presentará 10 de las obras seleccionadas en el Concurso Internacional Juan Downey, y de TSONAMI, Festival de Arte Sonoro de Valparaíso, con quien que se hará una selección de artistas cuyas obras serán después retransmitidas radiofónicamente en la VII Edición del festival chileno.
La imagen empleada para publicitar esta IX edición está inspirada en un antiguo juego de la época victoriana, el “thaumatrope”, que consistía en una tarjeta con dos imágenes, una en cada cara de la tarjeta, y unos lazos en los extremos para sortenerla entre las manos, de modo que mediante un rápido movimiento giratorio las imágenes parecen fusionarse en una. Esta mostra ofrece también una doble visión: una parte expositiva con piezas interactivas y visuales y otra de música en directo y acciones visuales y sonoras.
Esta mostra ofrece una amplia programación con contenido formativo, conciertos en directo, instalaciones y exposiciones interactivas. Del 3 al 7 de junio no podéis desaprovechar la oportunidad de aproximaros a una iniciativa con este contenido en un entorno único, donde las actividades se suceden entre claustros y salas magnas del antiguo convento de San Agustín, hoy reconvertido en centro cívico y cultural. Las charlas-taller tendrán lugar el 5 y 6 de junio y versan sobre “Autodistribución: licencias y distribución”, con Marc Pitarck (del Festival de Artes Visuales de Brasil Kouloumek), “Herramientas prácticas para el financiamiento y distribución de proyectos de movilidad artística”, con Ana Urdaniz y Toni Subirà, y “Límites físicos y resonancias sociales”, con George Rivera y Jorge Eduardo Cañas López.
Los conciertos en directo se concentran del 5 al 7 de junio, con una cuidada programación que cuenta con la participación de artistas nacionales e internacionales. Las actuaciones comienzan a partir de las 19h, con tres actuaciones cada día.
Además, la mostra ha organizado unos proyectos expositivos interactivos seleccionados y tutorizados por MakerConvent (el espacio de creación digital del centro cívico Convent de Sant Agustí), con la colaboración de Daniel Gallardo (Universidad Pompeu Frabra. UPF):
Logofonies: La Bèstia Hestia : Ana Parra | Nadia Velilla
Oír el suelo: Alba Giménez Gil
Los sonidos de las piedras: Yoliztli Villanueva Marañón en colaboración con Hugo Corbí
Waterdrops: Protopixel : Carles F. Julià | Daniel Gallardo | Sebastián Mealla |Mathieu Bosi
Metamorfance: Viscepatik : David Brey Vázquez | Ana Alonso Álvarez
Relectures: Alberto Bernal | Col·lectiu Alter Face
Original Soundtrack #OST_MEX: is3s: Gabriel Lora Gaitán
https://fasefest.org/wp-content/uploads/2020/01/9mostra_600.jpg406600mantrahttps://fasefest.org/wp-content/uploads/2020/09/logo-fase.jpgmantra2014-05-26 13:50:532020-01-03 13:52:39IX Mostra Sonora i Visual
Como todas las cosas; todas las tendencias, las modas, los estilos tienen siempre un origen, aunque no sepamos cuál es. ¿Dónde nació el “Relay”? o ¿por qué se llama así? En un sentido tangible, relay (“relé”) es un tipo de interruptor (un interruptor más complejo de lo habitual, que integra también una bobina y un electroimán). Pudiéramos pensar que el nombre viene de ahí, por la naturaleza del sonido, ese “pulsar” interruptores de la música electroacústica. Pero no es así. “Relay” significa también relevos, y para descifrar su sentido debemos preguntarnos ¿dónde surgió el primer “Relay” y en qué consiste propiamente?
Un “Relay” es una experiencia de improvisación músical colectiva donde cada uno de los intervinientes se van relevando a la hora de tomar las riendas de la improvisación. Esto se traduce en un constante cambio de creación musical en vivo, que se puede convertir aún en una experiencia más vivencial si a este cóctel de factores se le suma el desplazamiento de los músicos en el espacio o la intervención de artistas de otras disciplinas no instrumentales como vocalistas o incluso bailarines. De este modo el “Relay” sí se convierte en una auténtica carrera de relevos sonora donde cada grupo de músicos, que inician la acción en tríos, coge el testigo del anterior según hayan libremente decidido desplazarse.
Wade Matthews. Foto de Reuben Radding
El primer “Relay” surgió en Londres por iniciativa del guitarrista John Bisset. Desde entonces, muchos otros músicos han organizado Relays en ciudades como Nueva York, Berlín o Atenas, como un fenómeno vinculado a la vanguardia musical y al arte comtemporáneo. Wade Matthews, improvisados electroacústico, trae en esta ocasión la experiencia a España, después de haber estado en varias capitales europeas. Matthews aterriza en Madrid, después de haber estado en Valencia y en Vitoria-Gasteiz, y dará finalmente el salto a Sevilla. Los Relays programados tendrán lugar el sábado 24 y el domingo 25 a las 18h. en zonas públicas, plazas y calles próximas a CRUCE (C/ Doctor Fourquet, 5) y Esta es una plaza (C/ Doctor Fourquet, 24). La actuación contará con la participación de una veintena de músicos que se irán desplazando por las calles hasta terminar en CRUCE, donde podrán tocar todos juntos.
Esta actuación de Madrid se encuadra dentro del Festival Escucha, organizado por el colectivo CRUCE.
https://fasefest.org/wp-content/uploads/2020/01/RelayPosterComun.jpg-705x435-1.png435705mantrahttps://fasefest.org/wp-content/uploads/2020/09/logo-fase.jpgmantra2014-05-23 13:47:542020-01-03 13:50:16“Relay”: una experiencia musical única
La iniciativa de este proyecto editorial on-line surgió de Juan Enrique Gómez, periodista del grupo IDEAL, que en 1997 se propuso lanzar esta plataforma especializada. Desde entonces el éxito ha sido más que notable y hoy es uno de los medios de comunicación especializados en música más completo y de mayor alcance y visitas del país. En 1999 Indyrock se fusionó con el periódico IDEAL, del Grupo Vocento, y pasó a formar parte de los canales temáticos de difusión digital. Como periodista, Juan Enrique Gómez cuenta con una consolidada trayectoria reconocida a través de numerosos premios (como Premio de Periodismo José María Bugella, el Premio de Periodismo de Almuñécar o el Premio Andalucía de la Juventud o el Premio El Defensor de Granada de la Asociación de la Prensa), y aunque las exigencias de una publicación de esta naturaleza y alcance parezcan exigir una dedicación exclusiva, Juan Enrique se ha adentrado en la aventura de editar otro medio digital dedicado al medio ambiente: el magazine online 
